Benedict Cumberbatch vuelve a ponerse en el centro de una película que se resiste a los nombres propios: en Esa cosa con alas (2025) su personaje aparece identificado únicamente como Papá, y esa omisión funciona como llave para una historia que mezcla lo doméstico con lo fantástico. Desde el primer minuto, la película de Dylan Southern instala una sensación incómoda: la vida continúa, pero todo está resquebrajado por una pérdida irreparable.
Lo que sorprende es cómo la cámara alterna el detalle cotidiano —platos rotos, desayunos olvidados, peleas por la prisa— con la irrupción de un elemento inexplicable: un enorme cuervo que habita tanto la casa como la mente del protagonista. Ese contraste define el pulso narrativo: un drama familiar en apariencia sencillo que se vuelve alegoría visual.
Duelo cotidiano: escenas pequeñas que cuentan mucho sobre la pérdida
La película encuentra su fuerza en lo mínimo. En lugar de grandes escenas emotivas, el relato pone el foco en las rutinas que se descarrilan tras el fallecimiento de la esposa. Esos gestos habituales —poner la mesa, despertar a los niños, salir a la calle— se convierten en indicios de una fragilidad emocional que lo invade todo.
- Detalles domésticos: la torpeza creciente de Papá para manejar tareas simples transmite el peso del luto sin recurrir a subrayados melodramáticos.
- Tono entre la comedia involuntaria y la tristeza: muchas escenas provocan una risa nerviosa que rápidamente se torna en empatía frente a la incapacidad de los personajes para seguir con normalidad.
- Adaptación literaria: tomada del libro de Max Potter, la película prioriza el estudio psicológico del dolor por encima de un esquema tradicional de trama.
Ese enfoque es uno de los rasgos más claros del filme: el duelo no se explica, se muestra en los vacíos. Y en esos silencios la cámara de Southern encuentra su sentido narrativo.
El cuervo como figura simbólica y disruptiva
La entrada del cuervo en la historia es tan brusca como decisiva. No se trata solo de un recurso de terror: la ave funciona como materialización de lo que Papá no puede expresar. Su presencia oscila entre lo amenazante y lo terapéutico, lo absurdo y lo doloroso.
Una criatura en la encrucijada entre lo real y lo alegórico
Interpretado por David Thewlis, el Cuervo es una figura gigantesca que rompe con el realismo del entorno pero que, al mismo tiempo, encaja en el universo interno del protagonista. En pantalla, la criatura no es un villano clásico; más bien actúa como espejo —a veces cruel, a veces didáctico— de las emociones reprimidas.
¿Qué representa exactamente?
La película evita dar respuestas cerradas. Aun así, algunas funciones del Cuervo quedan claras:
- Personificación de la ira y la confusión que trae el luto.
- Elemento catalizador que obliga a Papá a confrontar sentimientos que evita.
- Un recurso narrativo que mezcla humor negro con observaciones filosóficas torcidas.
De ese modo, el ave no pretende ser un objeto fantástico plenamente desarrollado, sino una herramienta simbólica: su exceso de presencia subraya la imposibilidad de ignorar el duelo.
Relación entre Papá y Cuervo: una «terapia» poco ortodoxa
Las interacciones entre Cumberbatch y Thewlis conforman uno de los ejes más interesantes del filme. En ocasiones parecen bailar alrededor de una misma herida, alternando reproches, consignas incomprensibles y momentos de extraña ternura.
- El Cuervo actúa como provocador: empuja a Papá a reaccionar.
- Papá responde desde la vulnerabilidad: su humor es auto-depreciativo y su frustración tangible.
- La dinámica entre ambos evita el diálogo racional y, en su lugar, construye una comunicación simbólica.
Es precisamente esa ambivalencia —entre lo cómico y lo trágico, entre lo tangible y lo mental— la que da a la película su personalidad más reconocible.
Estética, ritmo y decisiones de dirección que marcan el tono
Southern juega con contrastes formales: planos calibrados que acentúan la rutina y, de pronto, encuadres que detienen la atención en el plumaje del Cuervo o en un gesto contenido. Esa alternancia es seductora, aunque no siempre perfecta.
Entre los aciertos y las limitaciones del filme se pueden identificar varios puntos:
- Actuaciones: Cumberbatch aporta una contención que hace creíble la fragilidad del personaje; Thewlis imprime el Cuervo con un humor agrio que evita la caricatura.
- Ambición simbólica: la película arriesga al no explicar todo, y en ese riesgo gana en honestidad.
- Problemas de ritmo: al combinar drama familiar con fantasía oscura, el montaje a veces titubea entre dos velocidades narrativas.
- Tono desigual: hay escenas que rozan lo poético y otras que podrían sentirse dispersas; aún así, la coherencia emocional se mantiene.
En suma, la puesta en escena privilegia la emoción contenida y la metáfora visual sobre la exposición explícita de causas y efectos.
Lecturas posibles: de la alegoría personal a la experiencia compartida del luto
Esa cosa con alas no pretende ofrecer una guía sobre cómo pasar por el duelo. Más bien, despliega diversas lecturas que quedan abiertas al espectador. ¿Es el Cuervo una alucinación, un síntoma psiquiátrico, o una figura mitológica reinventada para la vida moderna?
- Interpretación psicológica: el ave como síntoma de estrés postraumático y negación.
- Lectura simbólica: el Cuervo como representante de la sombra, de la parte oscura que cada ser humano arrastra tras una pérdida.
- Visión estética: la criatura como recurso narrativo que permite al cine hablar de lo inexpresable.
La película deja muchas preguntas en el aire, y esa indecisión es deliberada: el dolor no siempre ofrece una resolución clara, y la obra lo refleja con sinceridad visual.
¿Para quién es esta película? Público y resonancias
Esa cosa con alas se dirige a espectadores interesados en dramatizar el duelo desde una óptica poco convencional: quienes buscan un retrato humano más que efectismos cinematográficos. También encontrará eco en quienes aprecian la mezcla de realismo doméstico con elementos de fantasía oscura.
Los factores que amplifican su llegada al público incluyen:
- El atractivo de Benedict Cumberbatch y la presencia enigmática de David Thewlis.
- Un tratamiento visual que prioriza la atmósfera sobre el espectáculo.
- El debate temático sobre cómo representar el dolor en pantalla.
Al jugar con formas narrativas distintas, la película provoca una respuesta compleja: incomodidad, reflexión y, en ocasiones, una ternura imprevista.
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Tomás Villalba es un periodista especializado en ciencia y tecnología. Sus artículos destacan la inteligencia artificial, el espacio, la robótica y las innovaciones digitales que están transformando el mundo. Con un estilo claro y preciso, ayuda a los lectores a comprender los avances que influyen en su vida diaria.
